Intervista con Andrea Valle

bella intervista…molto interessante la parte sul sistema integrato per la composizione …anche se non ho ben capito, e colgo l’occasione per chiedere ad Andrea, cosa intende per “composizione strumentale radicalmente algoritmica”…
grazie
Fabio Selvafiorita

finalmente ho la possibilità, tramite questa intervista, di conoscere un esperto di composizione algoritmica. Ciò che mi viene spontaneo chiedere, dato che questo tipo di procedure ha diversi decenni di vita, è se esiste una consapevolezza estetica dietro tutto questo. Penso di dover chiedere ad Andrea Valle cose del tipo: cosa intende per musica, per arte, perchè questa musica è interessante, se può entrare in gioco il principio di piacere o una qualche forma di bellezza, di gusto. Se si tratta, nel caso della composizione algoritmica, di un modo per indicare i limiti dell’espressione estetica a costo di abbandonare ogni principio di godibilità, direi anche di umanità in senso fenomenico. Ecco, vorrei che ci fossero prese di posizione esplicitamente “politiche”, dato che potremmo parlare all’infinito della efficacia di un software piuttosto che di un altro, o della potenza di un processo algoritmico.

In ultimo un appunto: “il sogno è tutto, la tecnica è niente”. Questo tipo di affermazione la ritengo profondamente irrazionale, poichè si può sognare di tutto, ma senza una tecnica adeguata ai fini non si produce un bel nulla. Proprio per questo esiste la divisione del lavoro: difficilmente potrei avere il tempo, nella complessità del mondo attuale, di essere allo stesso tempo un pilota acrobatico e un ingegnere aeronautico. DIco questo perchè almeno nella mia esperienza musicale l’apprendimento è quotidiano, e costringersi ad imparare linguaggi di programmazione spesso segna una fase di arresto nei processi più marcatamente creativi. E’ un fenomeno a cui ho spesso assistito, che attribuisco a fattori meramente contingenti…Esistono inoltre diverse e validissime esperienze di collaborazione interdisciplinare tra musicisti, ingegneri, tecnici, scienziati…certo il sogno è tutto, ma è una faticaccia ricostruirlo in maniera soddisfacente…

Ciao Luigi, mi costringi a entrare nel merito di motle questioni. E allora temo che vi annoierete di conseguenza…
Prima questione:
- esiste una consapevolezza estetica dietro tutto questo?
A questa domanda rispondono (più che il mio nulla) le opere e gli scritti (significativamente abbondanti) di compositori così diversi come Xenakisì, Cage, Brün. Esiste talmente tanto una consapevolezza estetica che in anni di riflusso come questi spesso abbiamo assistito all’insofferenza di taluni proprio per questo eccesso di consapevolezza (“ma quanta teoria… ma scrivano musica invece che trattati di estetica”, e così via).

Secondo problema:
- cosa intendi per musica, per arte, perché questa musica è interessante, se può entrare in gioco il principio di piacere o una qualche forma di bellezza, di gusto?
Questa è una domanda insidiosa. La risposta scontata è: sì, c’è della bellezza. Molto banalmente, io faccio la musica che nei miei limiti posso e debbo fare, e aderiscono ai miei valori, perché mi piace. Dunque, opero politicamente in quanto esteticamente e viceversa perché implicito dei valori nella mia prassi. Quali? Credo siano venuti fuori. Ad esempio un’idea di composizione come riflessione sull’udibilità del mondo, come rapporto tra il suono e il pensiero, come conversione sempre in eccesso e in difetto tra morfologie di domini differenti, come allesttimento di processi che mi eccedono e dai cui imparo. Dopodiché in effetti mi sono concentrato su una dimensione “prassica” perché non volevo fare una estetica di me stesso o una dichiarazione di poetica.
Ma l’insidia sta nel fatto che la domanda che poni è così carica di storia e di estetica da non permettere di uscire dal suo perimetro. Potrà mai essere scontato cosa possa essere l’”umanità”, il “gusto”, la “godibilità”? Mentre la prima categoria apre il dibattito addirittura ad un problema antropologicamente generale, le altre due definiscono invece una circonferenza molto angusta: io non parlo questo linguaggio, non riconosco né al “gusto” né al “godibile” uno statuto di rilevo nella mia estetica. Tra l’altro il godibile assomiglia pericolosamente (certo, dal mio punto di vista, o d’ascolto) all’orecchiabile. E si potrebbe ragionare su come è fatto questo orecchio che orecchia, sull’orecchiare come modalità d’ascolto.
Insomma, cosa vuol dire “godere” con “gusto” e “umanamente”? Cosa vuoi dire tu?
Sull’efficacia del software: l’efficacia commisura i mezzi ai fini, è una misura dell’adeguatezza dei primi per raggiungere i secondi. La discussione sull’efficia del software dunque non è “an-estetica”, ma al contrario implicita dei fini rispetto a cui si rapporta. Per me Finale, Cubase, Reaktor, Open Music, ProTools, Max/MSP, CSound (tanto per citare ostensivamente i campioni migliori di alcune categorie) sono totalmente inefficaci. Credo che voglia dire qualcosa. Così, e pur concordando sulla noia assoluta introdotta dall’acribia degli appassionati del software, la discusssione sul software è come la Fisica di Aristotele per Heidegger: implicita la sua metafisica più della Metafisica stessa.

Sulla citazione di Tinguely. Due cose di cornice. Primo, è Tinguely che lo dice, cioè uno che costruisce macchine talmente funzionanti da essere in alcuni casi capaci di autodistruggersi. Dunque, il problema tecnico è ovviamente centrale per Tinguely, con la meccanica classica c’è poco da scherzare. Secondo, c’è la seconda parte della citazione, che ometti pericolosamente: la tecnica si può imparare. Cioè, il problema della tecnica è di distinguersi dal tecnicismo, quella cosa per cui tra ragazzini metallari si discetta se un chitarrista sia più bravo dell’altro in funzione del numero di note prodotte al secondo. Che cos’è la tecnica? Di nuov impliciti il concetto. Allora, la mia risposta esplicita è: un insieme di saperi di natura localmente sistematica atti alla risoluzione di uno specifico problema. Dunque, la tecnica compositiva è quell’insieme di saperi che valgono in un certo contesto locale (per quel pezzo, per quella serie di pezzi, per quel tipo di strumento, e così via) in funzione del problema compositivo che ci si pone. L’adeguatezza della tecnica è di nuovo la correlazione tra i mezzi e fini, tra il problema e le soluzioni praticabili. Non esiste la tecnica in sé: la tecnica è niente. Come notava Ferraris, la tecnica è come il segno: “et est et non est”. Il segno “è” nel momento in cui sta per qualcosa d’altro, ed in quel momento dunque “non è” più. Così la tecnica: “è” nel momento in cui è relata al problema che risolve, e a quel punto “non è” più. Il tecnicismo -la tecnica in sé- sposa invece soluzioni di problemi che altri si sono posti, e dunque è letteralmente alienante. E allora Tinguely, il cui lavoro allestisce un gran teatro di macchine, artista che ha accumulato un insieme di saperi del tutto idiosincratico, dice alla Niki: tieni a mente il fine (il sogno), il mezzo (la tecnica) non c’è ancora (è niente). Lo dovrai e potrai costruire (la tecnica si apprende). Irrazionale? Secondo me è razionalissimo e liberante.
Infine: che la divisione del lavoro esista è un fatto. Lungi da me poi sposare una prospettiva solipsistica per cui l’artista è uno e fa da solo. Ho citato appunto molti progetti collaborativi (da GeoGraphy al VEP). Audio e multimedia l’abbiamo scritto in due. Ma il de facto non implica il de iure. Non saprei citare un caso di un pilota ingegnere (non mi sembra un caso così difficile, i grandi piloti di Formula 1 ne sanno tantissimo di motori) ma è invece agevole ricordare che Xenakis ha lavorato con Le Corbusier (non proprio un geometra di provincia) e Cage è stato un esperto di livello mondiale sui funghi.
Io ho imparato quello che so di acustica, teoria musicale, musica elettronica, programmazione, solo perché mi interessava fare musica. Non ho una formazione “tecnica” nel senso usuale del termine. Ma ho imparato quanto so di programmazione perché mi serviva per comporre. Oramai è difficile che possa distingure tra momenti più o meno creativi. È tutto un unico processo, molto lento, che alla fine porta alla composizione. Per me la composizione è come il compostaggio: butti dentro materiale eterogeneo, sotto le giuste condizioni e con il giusto tempo, alla fine esce qualcosa di buono.

Fabio, concordo del tutto, chiaramente il problema dell’integrazione della notazione non è in alcun modo separato dalle opzioni estetiche. E questo per un semplice fatto: che la notazione musicale non è un sistema formale ma il risultato dell’accumulazione storica della prassi scrittoria. Dunque, non mi è mai parso possibile pensare alla generazione della notazione come ad un semplice problema di conversione. C’è una retroazione, un anello, tra ciò che si può scrivere e ciò che si vuole comporre. Proprio per questo motivo sono sempre scettico nei confronti di una generazione della notazione che operi in automatico a partire da dati compositivi espressi in un altro formalismo. La prassi materiale del compositore è anche scrittura, e duqnue la scrittura (notazione) deve essere pensata come momento della composizione. Io faccio così. Però, è vero che ci sono recentemente molti approcci interessanti. Oltre a quelli che citi, Trevor Bača sta implementando una libreria in Python per generare codice LilyPond. Il progetto si chiama Abjad, è ancora in fase di sviluppo, ma è abbastanza impressionante.

Luigi, solo alcune rapide precisazioni:
- il problema dell’ultimo Xenakis è esattamente il contrario di quello che sembri adombrare. Infatti l’ultimo Xenakis lavora senza formalizzare esplicitamente un modello formale per la composizione, affidandosi a una sorta di intuizione che discende dalla sua esperienza precedente. Il limite di quei lavori sta proprio nell’assenza di rigore che conduce a esiti lontani dalla sfida all’inudbile (a ciò che non è stato ancora ascoltato, come direbbe Schaeffer) portata dai pezzi precedenti.
- francamente non credo per nulla che gli esiti di Iceberg dipendano dalla pervasività di una ideologia cageana (magari…). Primo, perché da ciò che ho sentito e letto dei vincitori via myspace (a partire proprio da soundesign) non mi pare ci sia molto da spartire con Giovanni Gabbia. Secondo, un giurato come Fabrizio Festa è lontano anni luce (nella poetica come nei lavori ) da una opzione “sperimentale” novencentesca (in qualsivoglia modo la si possa pensare).
- mi leggi sempre a spizzichi. Non ho detto che la tecnica è nulla, Ho detto: et est et non est. Prima (o meglio: insieme) al suo annullamento è una positività. Mai negato questa positività

cercherò di essere molto sintetico, e di rispondere sia a fabio che ad andrea. Innanzitutto, ho esordito chiedendo cosa fosse per andrea la musica, l’arte, se val la pena di rinunciare ad ogni orecchiabilità (nel senso che ho chiarito), ad ogni intelligente compromesso con il mondo del passato e del presente, col suono. Il perchè di questa domanda nasce da alcune mie radicali convinzioni e da esperienze simili a quella recentissima del concorso iceberg. Se determinate involuzioni nell’inascoltabile sono state possibili, è perchè nel mondo della musica colta (di cui Festa è pur sempre un esponente in quanto critico, giornalista, compositore, non è un gigi d’agostino per intenderci) l’ideologia, la teoria ha colonizzato ogni dimensione relazionale ed espressiva del fare musicale. Detta brutalmente: il fatto che un’opera esprima un pensiero è più importante del rapporto tra quel pensiero e ciò che arriva alle orecchie. Il pensiero compositivo può essere arbitrariamente deterministico, o rigorosamente caotico, ma questo non mi interessa affatto quando mi siedo in una sala da concerto. Lì ci sono io, ci sono altri come me, ci sono dei luoghi di esperienza, c’è una memoria e ci sono anche aperture al nuovo. Appunto: certe tendenze compositive sono da rivedere profondamente, sono da chiarire in ciò che propongono all’ascoltatore. C’è da rimettere in campo il piacere, un’indagine sul piacere, sulla sensualità…Di recente ho partecipato alla presentazione di opere “musicali” elaborate con Python…il compositore perdeva tempo nel dire che l’intera composizione poteva essere riportata su carta evitando le memorie magnetiche, che nel tempo si deteriorano. Il fatto è che non c’era nulla di musicale in quelle opere, a meno che non ci si voglia sforzare di chiamare musica qualunque stridore sintetico prodotto con metodo…e di scuse il nostro tempo ne ha innumerevoli. Duecento anni fa si definiva la bellezza come “perfectio cognitionis sensitivae”…definizione immediatamente archiviata. Secondo me perdendo molto e rischiando ancora di più.
Concludo non citando Ligeti e il suo sarcasmo contro Cage o Xenakis, ma Norbert Elias.

“Ciò che vi è di singolare nelle fantasie innovative nella forma di opere d’arte sta nel fatto che si tratta di fantasie che si accendono con un materiale accessibile a molti…….tutta la difficoltà del fare arte si mostra quando si cerca di superare il ponte della deprivatizzazione, della “sublimazione”. Per compiere tale passo gli uomini devono trovarsi nella condizione di sottomettere la capacità di fantasticare all’autonomia di una forma materiale. Debbono conferire ai loro prodotti, oltre alla rilevanza dell’Io, quella del Tu, del Voi e del Loro….Il confluire delle fantasie in un materiale senza che vadano perse spontaneità, dinamica e forza innovativa, richiede capacità che superano il semplice fantasticare. Richiede una fondamentale confidenza con l’autonomia del materiale, quindi una grande preparazione nel trattarlo. Tale preparazione è causa di determinati pericoli. Si possono ledere infatti la forza e la spontaneità delle fantasie, cioè la loro autonomia. La si può a volte indebolire del tutto, anzichè svilupparla ulteriormente nel rapporto col materiale.”

Spero che su questo siamo d’accordo tutti…Non ho intenti polemici, ho molta stima e ammirazione per il lavoro che andrea o fabio portano avanti. Ritengo però che nel mondo musicale è urgente riattivare alcuni concetti, come quello di gusto, e un sano rapporto con la filosofia, che è cosa ben diversa dalla hybris filosofica che pretende di giustificare l’ingiustificabile e di sostituirsi all’esperienza dell’ascolto.

A me sembra di aver chiarito cosa intendo per orecchiabilità, e poi ho parlato di esperienza dell’ascolto riferendomi al fatto che la musica va ascoltata nel suo sollecitare i sensi, nella sua sensualità ed espressività, nella sua immediatezza. Quando ascolto musica, non mi va più di annoiarmi, di provare fastidio o di attendere il momento in cui finisca. Piuttosto vorrei divertirmi, o ridere, o entrare in empatia con qualcosa di emotivamente rilevante.

Vedi Fabio, abbiamo visioni e prospettive inconciliabili. A me interessa enormemente l’ascoltatore e il suo scegliere. Voglio che la musica sappia per l’appunto riguardare tanto chi la scrive quanto chi la ascolta, è lì la sfida. Non mi interessa un’estetica che sia una specie di ufficio licenze poetiche, se non ideologiche.

Grisey è di sicuro orecchiabilissimo!

caspita non volevo aprire una di quelle discussioni da facebook….

vedi Fabio, il tuo discorso non fa una piega: è civile, onesto, tollerante, soprattutto aperto al progresso delle forme musicali e della ricezione. Sono d’accordo fino al punto in cui tutto questo non diventa una scusa, e oramai è quasi soltanto una scusa. Le sale da concerto si svuotano, la musica contemporanea agonizza, gli spazi dedicati alla ricerca si restringono e la responsabilità, in parte, è proprio degli addetti ai lavori. Certo che non posso prendere le mie categorie d’ascolto e adattarle a quelle di tutti! Appunto! E’ proprio il nucleo del mio discorso! Non capisco perchè io in quanto ascoltatore debbo adattarmi a chi compone, mentre chi compone può rifilarmi quello che gli pare…Forse perchè l’ascoltatore non può capire? Non possiede abbastanza sedimenti? E’ una pretesa forte. E se esistesse una comunità di ascoltatori in grado di svelare le truffe spacciate per ricerca musicale? Secondo me sarebbe un bel passo in avanti! E sarebbe auspicabile da parte dei compositori (me compreso) una sempre maggiore attenzione in questo senso, proprio perchè dobbiamo mettere da parte il nostro ego! Insomma, il pubblico può anche fischiare, e a ragione, un’opera. Ma vedi, sarebbe il caso di fare esempi concreti (e qui lo eviterei), magari abbiamo gli stessi gusti e le stesse idiosincrasie…più o meno, è ovvio!!!

Tutto quello che scrivi rimane molto civile, tollerante e plausibile. Io cerco, a livello teorico, ben altre vie. Faccio altre rilfessioni, e, in musica, altre scelte. Però non ti è concesso, a meno che tu non abbia il dono della telepatia, conoscere la vera natura del mio mettere da parte l’ego. Se intendi dire che miro all’integrazione del mio ego con quello del resto del mondo, è così. Ma non puoi dire che non voglia aprirmi ad altre poetiche. Posso pure comprenderle, sperimentarle, e rifiutarle all’interno della mia attività, evidenziandone i limiti e le pretese infondate. Un po’ di libertà val la pena concedersela. Davvero sono più o meno d’accordo con molte tue riflessioni, tranne la riservatezza come valore. Ma finiamola qui, sennò si profila lo spettro facebook o youtube….Vabbè, sull’offerta musicale permettimi pure di dire che nulla di quanto è stato scritto vale un fico secco rispetto a quello che vuol dire ascoltarla e suonarla…perchè è musica! Guai a confonderla con il processo di biscardi che ha scatenato!

scusate, che c’entra cage con la composizione algoritmica? quali sue composizioni sarebbero state composte algoritmicamente?
vi sarei grato se qualcuno mi rispondesse.

cito poi da fabio:

“C’è chi, ascoltando, non riesce a distinguere le specie di settime l’una dall’altra e c’è chi individua al primo ascolto le caratteristiche di campi armonici di 9 10 suoni. Così come ci sono molti modi di avvicinarsi alla Musikalische Opfer bachiana e di comprenderne i livelli di ascolto.”

ecco, questa è la principale causa del bassissimo livello della CULTURA MUSICALE nel nostro paese: che ci siano cioè persone come fabio che pensano ancora che chi individua al primo ascolto le caratteristiche di campi armonici di 9 o 10 suoni capisca di più la musica di chi non riesce a distinguere le specie di settime l’una dall’altra, mentre io conosco un sacco di persone che individuano al primo ascolto le caratteristiche di campi armonici di 9 o 10 suoni e non capiscono UN CAZZO di musica e un sacco di altre persone che non riescono a distinguere le specie di settime l’una dall’altra e capiscono la musica PERFETTAMENTE (ovviamente nel senso che le settime le distinguono eccome, ma non in quanto tali, cosa che non significa assolutamente nulla e che può essere paragonata al rapporto che sussiste, che ne so, tra un testo poetico e chi è in grado di cogliere in esso alla prima lettura di quante consonanti e di quante vocali esso sia composto…). quanto all’offerta musicale, penso analogamente che la capisse molto di più un regista come tarkovskij che un qualsiasi musicologo che ne abbia prodotto un’analisi semiotica di 1200 pagine.

insomma, detto in sintesi: LA MUSICA, OGNI MUSICA, E’ FATTA PER ESSERE ASCOLTATA. ergo: l’ascoltatore è ciò che conta di più (del compositore e dei suoi problemi, francamente, ‘un ce ne importa un cazzo…)

(PS 1: scusate il linguaggio ‘colorito’, sono di livorno…)

(PS 2: milton babbitt, sia detto per inciso, era un cretino)

sono peraltro totalmente d’accordo con luigi mastandrea…

Sono molto contento di questo post e della discussione che ha generato.

Vorrei comunque segnalare che tavolta gli animi si scaldano troppo, magari dimenticandosi che si sta discutendo di opinioni e non di sentenze assolute, che ognuno è libero di esprimere le proprie idee, ma nel rispetto altrui. Specialmente quando si discute di argomenti complessi come questi.

Il mezzo poi fà la sua parte, nel senso che spesso e volentieri i commenti di un post non sono il miglior luogo dove scambiarsi opinioni.
In poche parole voglio ringraziare tutti per il loro contributo a uno dei migliori post dell’anno (che sicuramente ha sviscerato molti temi caldi), ma allo stesso modo invito a moderarsi e a scaldarsi il meno possibile.

Per fortuna non stiamo parlando nè di politica, nè della nazionale di calcio…

Cavallo e cavaliere per comunicare? Io direi pecore e pastori….e led…

http://www.youtube.com/watch?v=D2FX9rviEhw

con simpatia…

Ovviamente il riferimento all’organo antico era per spiegare che un suono può essere anche bello…Poi si può comporre musica del nostro tempo anche con strumenti antichi: ho ascoltato tempo fa Charlemagne Palestine che improvvisava su di un organo del 1500 a Bologna…E poi non mi risulta che Schaeffer abbia fatto musica prestando poca attenzione alla qualità dei suoni.
Se poi il linguaggio sonoro va verso il baratro, non ci si lamenti della scarsa affluenza di pubblico a certi concerti, e dell’inconsistenza di finanziamenti…dato che ormai praticamente non c’è mercato per determinate forme d’arte.

“milton babbitt era un cretino” alludeva alla sua frase “who cares if they listen”, frase che si commenta da sola, e che troppi furbi compositori l’hanno immediatamente adottata per legittimare la loro musica priva di senso, priva di un benché minimo orientamento estetico, priva soprattutto del benché minimo rapporto col presente (parlo dell’80 % della musica colta contemporanea degli ultimi vent’anni, non di un pezzo o di un autore in particolare…)

Io proporrei una differente interpretazione dell’inesistente livello di cultura musicale italiana, e di come questa sia ormai immersa in una sorta di peccato originale, con il quale i nostri cari emeriti e colti studiosi non vogliono avere a che fare riservandosi di fare, con noi, i cafonazzi online e riservando invece colte dissertazioni in altre e più prestigiose sedi.
Vediamo:
Su Cage:
Non c’è bisogno di un computer per produrre musica algoritmica; in questo senso Cage ne scrisse molta. Non credo ci sia bisogno di aggiungere altro. Se non si comprende questa affermazione non si comprende la storia della musica.
Il peccato originale:
Nel cercare di voler comprendere i fatti musicali sono ancora in molti coloro i quali non accettano (come se le nostre “opinioni” in questo caso avessero una qualche importanza) che un certo modo di fare e di pensare la musica c’è, esiste ed è esistito all’interno della tradizione della musica occidentale. Non riconoscendo questo non si fa un torto a me, ma si preclude semplicemente l’incontro con quel tipo di esperienze. Se a Marco e Luigi non interessano i problemi della musica algoritmica e se rispondono a tali “questioni” con un “la musica è fatta per essere ascoltata”o “milton babbitt era un cretino” potrei anche in linea di massima in quanto compositore essere d’accordo (e con le dovute differenze lo sarei), ma con questo giudizio, con questa opinione, non ci faccio nulla se il mio fine è invece conoscere quel tipo di esperienze estetiche che sono differenti dalle mie.
E’ un problema di conoscenza, di incontro se vuoi. Di comunicazione dicono altri.
Marco dice: “LA MUSICA, OGNI MUSICA, E’ FATTA PER ESSERE ASCOLTATA”…sticazzi… e quindi?
Cosa ho compreso con questo di Cage, Xenakis, di Valle, di Babbit? NULLA. Perchè preferisci parlarmi di te e di quanto sia bello avere un orecchio enorme al posto del cervello? Un brutta mutazione genetica.
E’proprio questo il vecchio pregiudizio che proprio nel nostro vituperato paese tarda ad essere estirpato.

Ovvio poi che per produrre buona musica non sia necessario esplicitarne la grammatica. Anch’io conosco molte persone felici di non conoscere la musica e di produrne di piacevolissima. Conosco certi compositori “titolati” che scrivono musica immonda, senza capo ne coda, sia epigoni di certo facile approccio algoritmico, quanto di quello suggerito da una superficialissima estetica listener oriented.
Ma non puoi scrivere una fuga se non sai cos’è una fuga così come non sai come suona una distorsione se non conosci differenti amplificatori. Sono competenze differenti e non rappresentano cognizioni di causa esterne alla musica (come lo può essere invece l’analisi semiotica) ma propria alla musica. Non capisco cosa ci sia di trascendentale in questa affermazione se non la volontà (ancora una volta tipicamente e polemicamente italiota) di interpretarla ideologicamente, bofonchiando opinioni nel nome di una bieca contrapposizione tra accademismi di bassa lega.

a fabio (e anche un po’ a andrea)

no. non sono d’accordo con te, fabio. mi rendo conto della complessità della questione e non credo che questo sia il luogo adatto ad approfondirla, ma cercherò di chiarire la mia posizione [con la massima serietà, visto che vi danno fastidio le 'parolacce' e i toni un po' sopra le righe - che da parte mia comunque non sono segno di offesa alcuna verso chicchessia ma pura e semplice fisiologia culturale (ripeto, sono livornese e quando parlo non posso fare a meno di essere un po' sguaiato) nonché pura retorica verbale e registro espressivo (e, sia detto per inciso, sono toni che assumo tranquillamente ovunque, sia nei blog che in sedi accademiche, non ho proprio problemi di questo tipo...)].
dunque: il problema sta proprio nel rapporto tra arte e conoscenza. quando dico che la musica è fatta per essere ascoltata voglio ricordare un fatto semplice e ovvio, nient’altro che una verità lapalissiana. voglio dire: è impossibile NON essere d’accordo su questo, altrimenti non si va da nessuna parte, giusto? la musica, ogni musica, è fatta dunque per essere ascoltata: dal primo uomo di neanderthal che, avendo scoperto che soffiando dentro un corno si produce un suono, RItorna al corno e ci RIsoffia dentro PER RIsentire, riascoltare QUEL suono (e non per scoprire COM’E’ fatto il corno né per indagare COME si produce e che cosa sia un suono) fino a 4′ 33′ di cage, pezzo interamente silenzioso la cui verità non sta appunto nella carta ma nell’ascolto del silenzio. perfino l’antica musica delle sfere, per definizione non udibile, costringeva e costringe ad un ascolto immaginario (immaginario quanto si vuole MA pur sempre un ascolto: non si può semplicemente ‘pensare’ alla musica delle sfere, non si può NON farsene un’immagine sonora). detto questo, dato ciò per assodato, se ne deduce che l’ascolto è il primo e l’ultimo termine di paragone, ha la prima e l’ultima voce in capitolo nella questione.
nel mezzo, ovviamente, c’è il mondo: il sapere, la conoscenza, la curiosità, il piacere di suonare, comporre, discutere di musica. tutte cose (non vorrei essere stato frainteso) SACROSANTE e legittimissime. ma, appunto, sono ALTRO dall’ascolto. ora se si cerca di capire in quale rapporto stiano queste due cose (l’ascolto da una parte e – per sintetizzare – il sapere dall’altra) io dico, sorprendentemente: in NESSUN RAPPORTO (per quanto possa sembrare che siano intimamente legate). il sapere e la conoscenza SCIVOLANO sopra la superficie dell’ascolto: non lo toccano, non lo condizionano, non lo inficiano, soprattutto non lo illuminano. l’ascolto è un EVENTO, un – mi si passi la terminologia vagamente heideggeriana – accadimento: irrappresentabile, non concettualizzabile, non traducibile, non spiegabile. l’ascolto, ciò che accade durante l’ascolto, nell’incontro tra la musica e l’ascoltatore, è e resterà sempre un mistero. il resto è chiacchiera, passatempo (di vario livello, ovviamente: si va dal gossip parabiografico alle più sofisticate e dettagliate analisi musicologiche). nessun approfondimento teoretico, nessuna ricognizione storico-culturale può CONVINCERMI della bontà o meno di un’opera d’arte, anche se può darmene l’illusione. allora si nasce imparati? no. esiste evidentemente una facoltà (che kant forse si è dimenticato di categorizzare) che presiede alla valutazione delle opere d’arte e che prescinde totalmente dalle indagini svolte attraverso mezzi cognitivi. può questa facoltà essere educata, sviluppata, affinata, migliorata? sì. come? non lo so. è come la virtù platonica: non può essere insegnata. vi sono competenze musicali di cui non si sospetta neanche l’esistenza, competenze alle quali non sapremmo dare un nome. quali competenze musicali aveva, p. es., stanley kubrick? io credo fosse una delle persone più sensibili alla musica che siano mai esistite, ma non sarei in grado di descrivere in che cosa consista questa sua sensibilità. eppure: quale musicista, quale musicologo avrebbe mai potuto suggerirgli di mettere un valzer di strauss comme commento delle straordinarie immagini spaziali di 2001? quale musicista, quale musicologo avrebbe mai intuito che una musica così inascoltabile e in sé orrenda come la versione elettronica di beethoven e rossini avrebbe sortito un effetto assolutamente devastante se applicata alle immagini di clockwork orange? come si fa a spiegare questo fenomeno? c’è una ragione precisa per cui un valzer della vienna asburgica di fine ottocento si addice perfettamente a descrivere immagini di astronavi aleggianti nell’etere?
ma non c’è tempo di continuare. mi accontento, almeno per ora, di queste considerazioni sparse. sperando di essere stato chiaro.

sì, effettivamente mi rendo conto di aver usato toni un po’ misticheggianti nel mio ultimo intervento… volevo solo porre l’accento sulla natura paradossale dell’ascolto, su un suo modo di darsi che è irriducibile a qualsiasi speculazione. quindi forse farei meglio a distinguere ascolto da ascolto; non esiste, ovviamente, un ascolto ‘puro’… ma la questione fondamentale è: quando ascolto un pezzo di musica cosa ascolto? è qui che si creano degli scarti, delle cesure. ciò che si ascolta non è mai l’esito di un percorso transitivo lineare che dalla mente del compositore raggiunge l’orecchio dell’ascoltatore passando attraverso un codice linguistico (il metodo compositivo e le sue regole – i suoi algoritmi…); anzi, quando si verifica questo, quando cioè un pezzo di musica non è nient’altro che l’immagine, la rappresentazione sonora, per così dire, del processo che lo ha posto in essere – ecco, lì l’esperienza d’ascolto fallisce, proprio perché in questo caso non si produce più alcuno scarto. ed è nella tensione che si crea tra ciò che effettivamente si sente (una successione di fenomeni sonori) e lo scarto che esso produce (che poi in fondo non è nient’altro, questo scarto, che un’emozione ‘astratta’, senza nome) che si gioca il senso più profondo e autentico dell’esperienza estetica. insomma l’esperienza estetica è autentica quando non è ’soltanto’ un’esperienza estetica.

(mi sa però che così invece di chiarirle le ho ingarbugliate di più, le cose… eh, non è facile parlare di queste cose… sì, rileggendo quello che ho scritto mi par d’essere lo pseudo-dionigi areopagita…)

Il dubbio che poni, Marco Lenzi, è ricollegabile ad una qualsiasi delle arti: quando guardo che cosa guardo in realtà o che cosa vedo e percepisco di quella realtà che guardo (accidenti mi sembra un quesito tipico di logica fuzzy). L’opera d’arte, che sia sonora, figurativa, performativa o altro, pone e discute continuamente su questa e con questa domanda, che in fondo riguarda il pensiero e l’emotività di chi guarda e ascolta e di chi produce e mette in piedi (il dubbio è ciò che crea) e di tutto il bagaglio delle esperienze accumulate sia dagli uni che dagli altri.
Mi fermo, anche perché io sono pinco pallino e qui si va fuori dal seminato… Concedetemi solamente un’altra nota, un rimando a “La sparizione dell’arte” di Jean Baudrillard per chi volesse approfondire tali argomentazioni.

Alex l’estetica non esiste perché sia il bello che il brutto sono un tutt’uno con il risultato di una percezione soggettiva influenzata da una miriade di fonti (gruppo sociale, educazione, gusti personali, eccetera). Però negandola la si rivendica. Quindi, in perfetta linea con la logica fuzzy (ancora una volta) esiste e non esiste, e per metà vera e per metà falsa: estetica non-estetica. (???)

Ringrazio Luigi per il simpatico video ma, come tecnologia, preferisco http://suguru.goto.free.fr/Contents/SuguruGoto-e.html.

Ma in tutto questo dov’è finito supercollider? So che questa non è la sede ma non si dovrebbe discutere di reti neurali e di algoritmi genetici improntati alla costruzione degli eventi sonori? E’ del perché l’arte in toto deve impossessarsene ed utilizzarli?

…e comunque, tornando a fabio e in particolare a questo passo della sua risposta:

[cito] Marco dice: “LA MUSICA, OGNI MUSICA, E’ FATTA PER ESSERE ASCOLTATA”…sticazzi… e quindi?
Cosa ho compreso con questo di Cage, Xenakis, di Valle, di Babbit? NULLA. Perchè preferisci parlarmi di te e di quanto sia bello avere un orecchio enorme al posto del cervello? Un brutta mutazione genetica.
E’proprio questo il vecchio pregiudizio che proprio nel nostro vituperato paese tarda ad essere estirpato. [fine citazione]

dico e ribadisco che no, non è questo il vecchio pregiudizio che nel nostro paese tarda ad essere estirpato, ma è esattamente il pregiudizio contrario, quello cioè secondo cui per ‘capire’ la musica occorre conoscere la sua grammatica: QUESTO è il pregiudizio responsabile dell’ABISSO che ancora oggi separa il piccolo mondo dei musicisti
dai sentimenti e dalle emozioni degli esseri umani. è questo che ha impedito a milioni di persone di coltivare la propria musicalità e la propria sensibilità musicale al di fuori delle pareti buie e odorose di muffa dei conservatori, è questo che fa loro dire ‘io non capisco niente di musica’, ‘non canto, sono stonato’, ‘ho iniziato a studiare il pianoforte ma poi ho smesso’. di questo sono responsabili tutti quei nipotini di hanslick che hanno attaccato l’approccio ludico e ingenuo al fenomeno sonoro opponendogli un severissimo quanto ottuso approccio ‘formale’ che dovrebbe, secondo loro, far capire meglio un pezzo di musica solo qualora si riuscisse a individuarne le progressioni, le cadenze, le imitazioni e tutti gli altri aspetti linguistici ‘interni’ (che poi, cosa comica tra tutte, non sono in grado di cogliere nemmeno loro…): questa è la stronzata micidiale [oh, scusate, proprio non ce la faccio a non dire parolacce...] che ha consegnato l’italia musicale in mano agli amici di maria de filippi. il resto (‘capire’ cage, xenakis, valle, babbitt) è aneddotica e curiosità (file under ‘la settimana enigmistica’’s’lo sapevate che?…’).

stammi a sentire, supertarzan,

PUNTO PRIMO:
’sederino caldo’, ‘burocrate che ha bisogno di leggere il curriculum delle persone per interpretare ciò che dicono’, ‘pseudo intellettuale post-sessantottino represso’, ‘incapace di una qualsiasi distinzione fenomenologica’ e ‘Bruno Vespa’ sarai te e qualcuno della tua prosapia selvafiorita.

PUNTO SECONDO:
distinguera la grammatica della musica dal suo funzionamento è come voler distinguere tra porta e uscio. non prenderti per il culo da solo…

PUNTO TERZO:
non è soltanto il conservatorio in sé a sapere di muffa ma tutto quel pitagorismo d’accatto ancora duro a morire e del quale, come direbbe dante, ‘è bello tacere’.
per me, fra un giusto dacci che dice:

[cito] “Il tempo viene distinto in tempo reale-semplice e composto. Il 4/4-2/4-3/4 sono tempi reali perché le varie figure non subiscono alcuna alterazione nel loro valore che hanno, rispondendo esattamente al valore appropriato dai movimenti o quarti, occorrenti nei tempi indicati. Il 2/2-3/8 sono tempi semplici poiché si considera il valore delle figure componenti le misure, non nel loro valore intrinseco in confronto ai movimenti del tempo, ma in proporzione minore: p.es. il tempo 2/2 le minime si appropriano un movimento ciascuna, e il 3/8 le crome rappresentano i tre movimenti del tempo stesso. Sono tempi composti, e si chiamano tali perché il valore delle figure necessarie per la formazione delle singole misure viene fissato in più di quello che rappresentano, sempre in rapporto ai movimenti o quarti frazionanti le misure dei tempi suddetti. I tempi composti sono il 3/2 ove le minime tengono un quarto di movimento, il 6/4 dove tre semiminime rappresentano il valore di un quarto o movimento, il 6/8 perché tre crome si considerano rappresentanti un movimento o quarto, il 12/4 dato che ogni movimento viene indicato da una minima puntata, e finalmente il tempo di 12/8 che tre crome rappresentano un quarto o movimento. Le considerazioni citate devonsi valutare anche pei tempi 9/4 e 9/8.” [fine citazione]

e un fabio selvafiorita che dice che:
[cito] “si sta cercando, con un po di fatica, anche perchè la questione è certamente un po delicata, di integrare la generazione di partiture nei sistemi assisted, o meglio, se vogliamo, di formattazione del testo musicale…mi viene in mente soprattutto http://kiliansprotte.de/lisp/ sta cercando con la library ksquant di estendere la ENP-Score-notation in PWGL per creare un collegamento forte con le procedure (PWGL a parte lo avevo visto anche “pilotare” Sibelius in modo tale da generare automaticamente una partitura..ma non mi ricordo da quale ambiente…era piuttosto impressionante) . Da quanto avevo visto poi in Open Music c’è una library che esporta le score (anche con multimetrie molto complesse) generate in lilypond http://karim.haddad.free.fr/pages/downloads.html . Non l’ho ancora testata mo ho visto dei risultati interessanti.” [fine citazione]

non c’è nessuna differenza.

A FABBIOOOO, FACCE GODE!!!…”

con i migliori augguri per la tua attività compositiva, te saluta ir batterista de i cuggini di campagna.

sono d’accordo con gianpaolo e mi scuso (ovviamente per quanto riguarda la mia parte). credo comunque che questo, per un’infinità di ragioni, sia un momento molto critico per la musica: non c’è da meravigliarsi se gli animi tendano a scaldarsi quando se ne parla (da qualsiasi punto di vista)… un caro saluto e un abbraccio a tutti,
marco lenzi

non avevo ancora visto questa interessante discussione; un salutone ad andrea e a marco!

[...] 13 e 14 aprile 2010 Andrea Valle terrà il corso 14 ore con SuperCollider a Torino (Italia), presso il Lab01 – Laboratorio G. [...]